小学美术教学边际超越的六种策略？鄢

小学美术教学边际超越的六种策略？鄢

作者：娄小明

来源：《江苏教育研究》2013年第34期

摘要：小学美术课堂教学的价值和意义在于对教学边际的超越。文章介绍了六种超越边际的策略：乘数效应、本质回归、开放的连通、有意的无意、建构增值、积累突破。 关键词：教学边际；超越；策略

中图分类号：G623.7 文献标志码：A 文章编号：1673-9094（2013）12-0035-05

课堂空间有边际，教学活动有边际，教学内容有边际，教学效率也有边际……此处的边际有两层含义，一是名词，即边界的含义。二是动词，即边界之间的变化。

小学美术教学需要遵守一定的边际，但是也需要超越它。苏霍姆林斯基曾经说过：“如果学生没有在掌握知识的道路上前进哪怕是很小的一步，那么这堂课对他来说就是白费了。”[1]如果不能超越（进步）知识、智慧、生活、生命……课堂也是没有意义的。 笔者认为，小学美术课堂教学需要以下六种超越边际的策略： 一、乘数效应

在我们的生活中常常会发生一些乘数效应：原本是一些小事，但是会放大无数倍，以至于酿成弥天大祸；原本是极小的资本积累，但是抓住了机遇，终究成为一代巨富……我们把超出预期的成果称为乘数效应。这在我们的教学中也比比皆是，例如：教师的一句批评，可能让学生整节课都抬不起头来，甚至一辈子都丧失了对这门课程的兴趣；有时教师的一次表扬，能够让孩子树立起人生的目标，成就非凡的事业。

例如我在上教科版艺术教材《轻歌曼舞樱花谣》一课前，我发现孩子们存在着两种价值观，一种是“哈日”一族，一种是“仇日”一族，这都不利于孩子从审美的角度去学习日本艺术。 于是在课前我就和学生进行了谈话，我问孩子们喜欢日本吗？“不喜欢！”几个孩子喊了起来，“因为日本侵略过我们的国家，还不知悔改！”“那么你们喜欢日本的文化吗？”我又问。沉默了一会儿，有的孩子表示喜欢日本的卡通片。有的孩子说，日本的科技很发达。我说，“日本拥有很多值得我们学习的地方，让我们把个人情绪放在一边，来学习日本文化好

吗？”“好！”同学们一下子坐得端端正正，我知道，一种民族精神隐约在勃发，一种学习需要已经被唤醒。

在接下来的学习过程中，孩子们都能够克服学习上的困难，取得了较好的学习效果。

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我想，这节课之所以取得了成功，是因为师生双方都看到了教学的意义，拥有了崇高的信念，在师生心中，它们都得到一定程度的“拔高”，因此产生了学习上的超越。如图： 在教学中的乘数效应往往源于情绪、情境、意志、动机等因素。 二、本质的回归

爱因斯坦曾经说过：“任何……理论最好不过的命运是，指明通往一个更加广包的理论的途径，而它则作为一个极限情形在后一理论中继续存在下去。”[2]那么，我们似乎也可以说，教育最好的命运是，找到一条穿过教育走向更加广阔领域的途径，并伴随着孩子的成长一直走下去。

艺术的价值就在于对艺术本质的发掘，那么，这种艺术教育的本质在哪里？苏霍姆林斯基曾经说过：“我们认为，要唤醒那种无动于衷的学生，把它从智力的惰性状态中挽救出来，就是要使这个学生在某一件事情上把自己的知识显示出来，在智力活动中表现出自己和自己的人格。”[3]这句话无疑点出了艺术教育的本质——通过艺术教育发展自己，通过自己的活动发展艺术教育——艺术和人的合二为一。

那么如何才能在课堂上找到艺术教育的本质，个人认为一是要“脚踏实地”，二是要“仰望蓝天”。所谓脚踏实地，就是要回归到艺术创造的本原。不同的美术种类具有不同的创作本原，有的源于游戏，有的源于美观，有的源于劳动，有的源于交往，找到美术教育的本原，我们才能找到教育可行的路径。所谓仰望蓝天，是通过艺术教育开拓孩子发展的空间，用大师的精神来净化孩子的意识，用大师的眼睛来擦亮孩子的眸子，或者用孩子的思想重新赋予作品以意义，用孩子的眼睛看到我们还没有看到的空间，让每一个孩子都获得尽可能的成长。 例如笔者在教学人美版第十册16课《雕塑之美》中，首先让学生看罗丹的雕塑《思》，说说对这个雕塑的感受。学生的观察毫无目的，有的感受根本“不美”。于是，我出示了一段《思》的鉴赏文字，要求学生边看边思考，哪些地方作者看到了你看不到的地方？“作者居然看到了一些没有雕刻的地方，那是因为罗丹为了突出人物脸部，而抛弃了其他„一切无关的局部‟”。“作者看出了这件作品的神情，感到了一种诱惑力。”另一个学生回答。我说：“这是雕塑作品给文章的作者带来的美好想象。你们看，作者拥有一双慧眼，看到了同学们看不到的美感。”我停顿了一下，问同学：“你还想再看看这件作品吗？”“想！”同学们没有丝毫的勉强。“你发现了雕塑的怎样的美？”我问同学。“我感觉到这个姑娘的眼睛仿佛是透明的，不像是用石头做成的，真神奇！”“我的确感受到了一种神秘的美。”……孩子们发现了雕塑的各种各样的美感。（笔者认为，欣赏是要“看”出来的，让教学回归于“看”，才能拥有一双能够发现美的眼睛。）我总结道：“这就是评论文章的魅力，它能擦亮我们的眼睛。”我接下来布置了作业：“请同学们为自己喜欢的雕塑写一段评论文字，比一比，谁的文章能够让我们也能产生这样的感觉——想看一看这件作品。”（这是一个开放性的作业设计，指向孩子的未来学习——发现雕塑作品的美感。）

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一位同学看了雕塑《和平》后，写了一首诗： 她，用双手撑起了一片蓝天，只为向往； 她，不顾一切地保护她的爱民，为了无私的爱； 她，宁愿用自己的生命来换取安全，为了和平。 她，就是潘鹤等人一起创作的和平女神像。 她是人类的守护神，战斗的阻挡者。 一个让人敬仰的神圣守卫神。

笔者对本课学生（五年级）作业，和四年级的一次作业进行字数统计。发现五年级同学平均字数为128个字，四年级同学平均字数为58个字。如果对两次课堂教学设计进行比较，前者呈现为逐渐递增的态势，而后者就呈现出平平的状态。图示如下：

由此可见，只有将我们的教学回归艺术的本质，才能促进孩子超越性的发展。 三、开放的连通

在我们的教学中，学生之所以在艺术水平上没有长进，是因为受到了“困扰”。印度哲学家克里希那穆提曾经说过，之所以我们不够智慧，是因为我们无法从生活的痛苦中摆脱。[4]从某种程度上来说，“困扰”是一个封闭的“场”，也是一个“封装式”的结构。例如有的孩子之所以不敢画灰色，是认为灰色是一种“脏”的颜色。他把“灰色”放在一个独立的、封闭的结构来看，其实灰色是色彩系列中一种不可或缺的颜色。久而久之，在他们的思想意识中，形成了一个封闭式结构。有些画家称之为“结壳”，贺天健在《贺天健画山水自述》一书中就指出技法中的“结壳”，即“凡是不转念头（就是不用心）一任手在那里动，就叫„结壳‟。”[5]这种封闭式结构可以表现在教学制度、教学环境、作画习惯、作画时间、作画意识、表现材料、年龄特征等等方面。

因此只有从封闭中“开放”出来，我们才能获得进步。

关于开放，勒温认为“开放区域的特性为，对于区域的每一点来说，存在着一个围绕，它完全位于该区域之内。”[6]将封闭领域开放起来才能在学习的质量上有所长进。

例如人美版第八册第4课《设计生活标志》，要求学生根据标志的四个特点（简洁、明确、美观、突出）进行设计。如此多的知识点，如此复杂的操作方法，要求学生通过一次作业完整地表现出来，这是不现实的。很多学生容易深陷于自己的习惯性思维，还有的同学只能抓住标志设计的一两个特点进行制作，从而无法体验到标志所具有的独特美感。于是我采用了小

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组制作的方法，一位学生作为主创人员动笔设计，另外四位学生作为“参谋”提出修改意见，学生的创作过程就非常热闹了。于是，原本的设计者由一双眼睛变成五双眼睛，五双眼睛分析一个形象能够更加透彻，五双眼睛融合的形象更加丰富。他们设计出的新形象超越了一人设计的局限。通过这次作业，他们拥有了一双“公众”的眼睛，一双符合标志设计的眼睛。 用图表来表示，封闭式的课堂教学如下：

在封闭式的课堂教学中，小组中各个成员的学习是相互孤立的。而开放式的教学图示如下：

学生能融合同学的观点，接纳大家的监督，从而超越个人的局限性。当然，开放和封闭是相互关联的，开放离不开封闭，封闭也具有一定的开放性，因此开放取得的超越也是有一定限度的。

四、有意的无意

走进美术馆、博物馆，无论是《蒙娜丽莎》那神秘的微笑，蒙德里安的雾里看花，还是米友仁的云山雾罩，王蒙的水墨淋漓……无不出人意料，但又在情理之中。可见，“无意”是艺术活动的应然之态，美术课堂也应如此。但是，我们的教学常常束缚于简单的工具、机械的行为、固定的意识、不变的流程，少了魔术般的出人意料，小说般的纵横捭阖，音乐般的天外绝响……缺少了意外的课堂那就称不上艺术的课堂。

在实际的美术课堂教学中，我们常常会惊异地发现，有时教师没有太多的说教，学生的作业反而更加精彩；没有固定的预设，临时的生成反而更令人印象深刻；没有太多的课件，一支粉笔倒能使课堂流光溢彩……那么是否可以这样说，只要“无意”就能上好课，画好画呢？显而易见这是荒谬的。“无意”的精彩钟情于“有意”的人，刹那的奔放源自深厚的积蓄。一名书法爱好者是不可能写出《兰亭序》的，一个诗歌入门者也无法吟咏出“采菊东篱下，悠然见南山”的佳句。任何无意的杰作，必然出自有意的磨砺。 那么，这种有意的“无意”具有怎样的形态呢？

根据弗洛伊德的无意识论，可以将意识和无意识用下图表示： 据此，儿童的美术行为可以分为三类：

第一类，刻意为之。可以操作的意识处于意识中固定不变的位置，即用“一招鲜，吃遍天”的思维模式作画，用已有的绘画经验去套用表现对象，因而在创新方面常常心有余而力不足。 第二类，任意为之。即可以操作的意识在意识范围内任意表现对象，从而达到意识与实践的统一，心手双畅的境界。

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第三类，无意为之。即可以操作的意识突破了意识的范畴，进入了前意识与潜意识的境地，从而创造出新的艺术思想与形象，推动了个人高峰体验和人类的艺术思想。这是一种超水平发挥。

记得在一节欣赏课中，我让大家观看悉尼歌剧院的图片，并说说自己的感受。很多同学的答案中规中矩，像莲花，像白帆，诸如此类。这时，一位同学高高地举起了手，表示他有不同的见解。他说：“我好像听到了歌唱的声音。”我一脸疑惑，同学们也发出了嘘声。这位同学脸涨得通红，却又无从辩解。忽然我想起曾经看到过的一句话，“建筑是凝固的音乐”。于是我在黑板上画了三个逐渐变化的连音符号，组成了悉尼歌剧院的外形，让同学们试唱一下。碧海蓝天，白帆倒影，三个逐渐变强的音符，会产生一种怎样的音响呢？没有暗示，没有相约，突然《欢乐颂》在教室里回响起来，由轻到响，由犹豫到高昂。大家仿佛都陶醉在声音和形象铸造的艺术宫殿里。我由衷地感叹：“你能从建筑中发现音乐，你有一双了不起的眼睛。”同学们眼中流露出敬佩的神色，这名同学也满脸兴奋。六年后，这位同学选择了报考美术学院，原因就是我说过的那句话：“你的艺术感觉很敏锐。”是呀，这位同学突破了自己的欣赏习惯，并在这种突破中找到了自信。谁说这种意外不是叩响他人生的一次际遇呢？

当然这种种“无意”，不同于懵懂无知，区别于心智全无，也不是任意妄为，是在有意之中的“无意”。有意地运用这种“无意”，能够让美术课堂拥有一份别样的精彩。 五、建构增值

艺术教学是一种建构的过程，这种种结构的不同组合，使得结构物包含了一种与众不同的灵魂，一种“增量”。正如同样的一些词组，经过诗人的组合，使得文字有了灵魂，诗篇有了节奏。同样的笔墨，艺术家一出手，就有了别样的意蕴，产生了动人的情调。同样的歌曲，经过歌唱家的演绎，能够拨动听者的心弦，激荡起万物的回响……这就是结构的力量。

也许，笔者三次上苏教版第五册第12课《分分合合》的经历，能够说明对结构均衡点的定位。

第一次，笔者看到这个课题后，就觉得这像我们古代七巧板的游戏，于是我就决定采用游戏教学法。

下课后，一位同学特地跑上讲台来问我：“老师我能得几段？”一个孩子回家后告诉家长：“今天我得了九段！”我一下子愣了，原来这节课给孩子留下的余味是“段位”，这似乎太没有“美术味道”了。我知道这节课我太过注重教学的结构，没有让孩子体会到形体分合所具有的美感。

第二次，我着重从孩子的知识建构入手，沿用了游戏教学法的三个过程，增加了一个课前引入和课后拓展的环节。

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但是问题又出来了，有的同学认为剪的次数越多越好，形状越复杂越好，不认同“简洁也是一种美”。而且教学结束后桌面上纸屑一大片，狼藉不堪，很难体现出一种设计之美，和古代七巧板“省材”“省空间”的初衷也大相径庭。总而言之，这节课我太过注重学生知识的建构，而忽视了艺术要素的建构。

第三次，我汲取了以前的教训，综合考虑了教学、知识和艺术的结构。首先我在教学环节上更加贴近孩子的基础——增加了“七巧板”导入的环节，能够唤起孩子们的制作经验。其次我在结尾加强了拓展延伸——增加了对生活中分分合合物象的分析的环节，让孩子们了解到分分合合是大自然的一种本质现象。当作业结束后，我把同学们粘贴在明胶片上的四个长方形组合起来，变成了一个宫灯。当打开电灯，一个新的形象出现了，全班同学的作业组合在一起，原本简单的形状顿时变得不简单了。听，孩子们“哇”声一片。这就是证明，孩子们超越了自己创造的形象，生成了新的“意象”——他们自己也感到新奇，感到惊讶。

通过三种教法的比较，我明白了，要建构超越边际的课堂，必须寻找到各个结构的平衡点。如下图： 六、积累突破

笔者曾经在《读者》上看到过一幅插图，很好地说明了一位学者的成功历程。如下： 他在小学阶段有了自己喜好的学科，在中学阶段形成了自己的发展方向，在大学阶段接触到了该学科中某一方面最前沿的知识，在教授期间对这一方面的知识进行了突破，最后推动了该知识的进步，从而成为有学术贡献的专家。如果我们换个角度，把这个圆形看成是学生的发展空间也未尝不可，理想的课堂教学应该是这样的，能够在自身能力的某一方面不断积累，形成突破和超越，最终发展自我。

笔者在教学人美版第十册第14课《山水画》中，认识到学生的中国画水平和课文中的山水画要求有一定距离。于是，我用两课时来完成上述任务。

第一课时我让学生掌握山石、树木、河流的画法。通过教师演示，学生临摹的方法，进行小品画练习。

第二课时，我首先在黑板上展示了所有同学的小品画。我马上提出了今天的学习任务——画一幅完整的山水画作品。我让学生观察大师的作品，了解远景的特点。随后我演示了远景的画法，请同学们在上次的作业上画出远景。然后教师进行整体点评，让学生建立起规范的印象。随后我演示了完整的作画过程，从近景（课前画好）——中景——远景——落款，重点讲解了中景和远景的画法。接着我提出了本课的要求，以家乡山水为题画一幅山水画。这时课堂进行了15分钟，孩子们有20分钟的作画时间。在古曲《姑苏行》的伴奏下，孩子们拥有充分的时间去酝酿属于他们的绘画。在最后的五分钟里，老师展示了所有同学的作品，并让学生相互点评，找找哪位同学画出了家乡的气息？

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整节课没有所谓的高潮，也没有所谓的激情，注重了重点知识的讲解，教师的示范，和学生大量的作业时间，显得有点“传统”，有点“温吞吞”。但是，有些老师也认为，画山水画就是要注重传统，要有这种从容不迫的“放松”状态。

于是我对学生之前的作业，第一课时的作业和此次作业进行了比较。

如果我们认为每一幅画都是各个绘画要素的累加（虽然绘画水平的高低并不取决于其中要素的简单相加，但是具有累加的特点，因此具有一定的参考价值），即将每个绘画要素进行累加，例如墨色+（墨色+用笔）+（墨色+用笔+用色）+（墨色+用笔+用色+造型）+……三次作业就可以得到三条发展曲线，如图：

图中可以见到，山水画和花鸟画作业差距比较大，这是两条不同斜率的曲线。因此，斜率越大，教学的效率越高，学生超越的状态越好。山水画1和山水画2在墨色、用笔、用色和造型上数据相差不大，说明单项的训练能够得到保持。这也说明山水画前期的单项训练是有效的。

参考文献：

[1][3][苏]苏霍姆林斯基.给教师的建议[M].杜殿坤，编译.北京：教育科学出版社，1999：1.64.

[2][英]卡尔·波普尔.猜想与反驳[M].傅季重，等译.上海：上海译文出版社，2005.1. [4][印度]克里希那穆提.智慧的觉醒[M].宋颜，译.重庆：重庆出版集团，2010：126. [5]贺天健.贺天健画山水自述[M].上海：上海美术出版社，2009：138.

[6][德]勒温.拓扑心理学原理[M].竺培梁，译.杭州：浙江教育出版社，1997：75. 责任编辑：丁伟红